Viaggio dentro un film - Parte 1

Testo introduttivo al corso di “Introduzione al linguaggio cinematografico” per la scuola media inferiore “L. Pirandello” di Sedriano (MI)

Anno scolastico 1997/98

Quando leggiamo i titoli di testa di un film vediamo molti nomi associati a delle mansioni che non abbiamo mia sentito prima, non abbiamo la più pallida idea di cosa queste persone abbiano fatto per il Film. Questo succede per quasi tutte le persone che non lavorano direttamente nel cinema. Le persone “normali” non hanno la minima idea di come si realizzi un Film. Questo perché il cinema, a differenza di tutte le altre arti, non è qualcosa che si possa fare da soli. Non è possibile attraversare tutte le fasi pre-produzione, produzione e post-produzione di un Film da soli. Invece è possibile dipingere un quadro da soli; è possibile scrivere un libro, o una poesia, da soli; è possibile scolpire un statua da soli. È un po’ più difficile costruire la fontana di Trevi da soli, ed è per questo che, per certi versi, l’architettura è l’arte che più si avvicina al cinema. Tutti quelli che lavorano ad una costruzione architettonica devono svolgere al meglio il loro compito perché il risultato finale sia soddisfacente; nello stesso modo tutte le persone che lavorano in un Film devono dare il meglio di se stessi perché il prodotto finale sia buono. Un lavoro di architettura ha alle spalle un lungo periodo di preparazione a tavolino, così come ce l’ha il Film. Quando si costruisce un’opera architettonica il capo supremo, colui che dà gli ordini, colui che organizza il lavoro di tutti gli altri, colui che riesce a vedere l’opera nella sua completezza ancor prima che si cominci a costruirla è l’Architetto. Nel cinema questo colui è il Regista. Il Regista è il primo responsabile per la cattiva riuscita di un Film, quindi cercherà sempre, in tutti i modi, di far dare tutto a quelli che lo circondano, di tirar fuori il meglio da tutti. Il Regista è sostanzialmente un pazzo, perché solo un malato di mente affiderebbe il proprio lavoro e la propria carriera a decine di altre persone.

Ma chi sono queste decine di persone? Come viene diviso il loro lavoro? E chi è veramente il Regista? Bisognerebbe seguire la produzione di un Film da vicino per poterlo capire, essere sul set tutti i giorni, essere seduti a fianco del montatore ogni volta che opera una scelta. Visto che non possiamo fare niente di tutto questo proviamo a simularlo. Facciamo finta di parlare con lo Sceneggiatore mentre scrive la storia, di partecipare alla selezione degli Attori, di essere il primo assistente del Regista, ed altro. Molto altro.

Il soggetto e la sceneggiatura

Il Soggetto è l’idea che sta dietro il Film, la trama, la storia. Non è certo un’assicurazione sulla buona riuscita del Film, proprio perché ne è solo l’inizio. Troppe cose avverranno in seguito, troppe persone ci metteranno mano. Dato che ormai di storie originali non ne esistono più (a dir la verità non ne esistevano già più ai tempi di Shakespeare, tant’è che lo stesso Shakespeare riutilizzava più volte gli stessi spunti) sarebbe abbastanza inutile dare ad un Produttore un Soggetto da leggere, perché, dato che il Produttore è la persona che mette i soldi (e tanti, anche) per la realizzazione del Film, è impensabile che questi accetti di spendere qualche miliardo basandosi solo sulla lettura di un paio di paginette che raccontano qualcosa che tutti hanno già visto e sentito. L’importante, in questa fase, è non far sembrare il Soggetto una cosa già vista, bisogna farlo sembrare molte cose già viste, perché almeno così si può sperare che il risultato finale sembri qualcosa di nuovo.

È preferibile, allora, presentare al produttore una Sceneggiatura, cioè una descrizione accurata di tutti gli eventi del Film, dai dialoghi all’arredamento delle stanze, passando per i vestiti dei personaggi. In un certo senso assomiglia ad un libro, non fosse per la strana impaginazione grafica e per il fatto di essere divisa in scene invece che in capitoli.

La scena è un insieme di eventi che avvengono in diretta successione temporale, cioè senza interruzioni, nello stesso luogo. Se un evento viene spezzato in più luoghi, o viene portato a compimento in momenti diversi, abbiamo un cambiamento di scena. Le scene vengono divise in “Interni” (Int.) ed “Esterni” (Est.), e si spiega subito in quale luogo e tempo avvengono. Quando vediamo Matthew Broderick e Michelle Pfeiffer parlare all’interno di una stalla in Lady Hawke, non ha importanza quante volte cambiamo inquadratura, quante volte giriamo intorno agli attori, sarà sempre una scena sola. Ma quando Matthew esce per permettere a Michelle di cambiarsi d’abito, allora avremo un cambio di scena, perché ci siamo spostati da un luogo ad un altro. Queste due scene saranno contrassegnate con “Int. Stalla – Sera”, ed “Est. Stalla – Sera”. Allo stesso modo, in Stand by me, quando vediamo i ragazzi camminare a fianco di un fiume ci troveremo davanti ad una singola scena. Ma quando, cambiando inquadratura, li vedremo seduti a parlare attorno ad un fuoco, allora avremo anche cambiato scena, perché in questo caso abbiamo fatto un salto temporale. In questo caso passiamo da un “Est. Fiume – Giorno” ad un “Est. Fiume – Notte”. Ovviamente ci può essere anche il caso in cui cambiano sia il tempo che il luogo.

La Sceneggiatura è sempre scritta al tempo presente, come se le cose stessero avvenendo in questo momento, e riporta esattamente ciò che i personaggi dicono. Viene in pratica scritto tutto quello che ha importanza nel Film. Se un personaggio prenderà una pistola dal cassetto del comodino, all’inizio della scena dovrà esserci scritto che c’è un comodino con un cassetto.

La Sceneggiatura cinematografica, anche se a prima vista può sembrare, non assomiglia molto al copione di un’opera teatrale. Quando si scrive per il teatro si mette, all’inizio, la descrizione della scena, intesa come ambiente, poi si parte subito con i dialoghi, che sono la parte più cospicua dello scritto. Nel copione teatrale le azioni dei personaggi sono pochissime, in genere limitate alle indicazioni relative all’entrata o all’uscita dalla scena dei vari personaggi ed alle loro azioni più importanti. Nella Sceneggiatura cinematografica, invece, bisogna sempre scrivere cosa fanno i personaggi, bisogna inframmezzare i dialoghi con le didascalie in modo da dare un ritmo più vivace a ciò che si scrive. La differenza più grande, infatti, è che, mentre il copione teatrale è scritto per essere rappresentato, la Sceneggiatura è scritta per essere letta.

Scrivere una sceneggiatura ricade in quella pratica che viene detta “scrittura creativa”, cioè anche quando si scrive una sceneggiatura, come succede quando si scrive  un romanzo, lo scrittore utilizza un proprio stile personale. Due sceneggiatori non scriverebbero mai due sceneggiature uguali, non solo per quanto riguarda i dialoghi e le situazioni, ma proprio riguardo il modo in cui le situazioni vengono raccontate. Negli ultimi anni diversi sceneggiatori, in America, hanno iniziato a scrivere le proprie sceneggiature come se fossero dei veri e propri romanzi, utilizzando uno stile diretto e colorito, in modo da dare al lettore sensazioni più intense, riuscendo così a dare più vita ai loro lavori. Se utilizzato in modo accurato questo procedimento può riuscire a nascondere i difetti della storia che viene narrata, lasciando poi al Regista il compito di riportare in pellicola lo stile dello Scrittore. Non è un caso che molto spesso queste sceneggiature risultino migliori dei film che ne vengono tratti. Diamo un’occhiata, ad esempio, a come Ebbe Roe Smith e Patrick Duncan narrano i momenti precedenti l’arrivo alla stazione di Los Angeles del treno con a bordo il protagonista all’inizio della loro sceneggiatura Minuti Contati:

INT. UNION STATION – GIORNO

Union Station, quell’appariscente monumento all’Art Deco californiana, vecchio di 50 anni. Sempre bello. Sempre grandioso.

Un cartello ad uno dei binari di arrivo/partenza avvisa che il “San Diegan”, numero 264, è previsto in arrivo alle 12:00.

Proprio sopra i cancelli di uscita, un grande orologio – due metri di diametro.

L’ora –

12 : 06 .

Vediamo la lancetta grande colpire il “7”.

Un altoparlante – possiamo a malapena capire quello che questo tizio sta dicendo.

ANNUNCIATORE
Amtrack 264, “San Diegan”, da San Diego, Del Mar…

Succede raramente che lo Sceneggiatore sia anche il Regista del Film, quindi non ci sono mai indicazioni sul tipo e la durata delle inquadrature, né sulla posizione della macchina da presa. È un lavoro che il Regista farà in seguito, di solito in piena libertà e spesso con l’utilizzo di story-board, cioè una serie di disegni che rappresentano le diverse inquadrature, un disegno per ognuna. Gli story-board vengono utilizzati soprattutto per le scene che prevedono l’uso di effetti speciali, perché in questo caso c’è bisogno di una precisione massima nella pianificazione delle riprese. Nella Sceneggiatura, comunque, non ci sono indicazioni tecniche anche perché la deve leggere il Produttore, che di solito è una persona cinematograficamente stupida. Se si trovasse davanti una serie di fogli divisi in due colonne verticali, con indicazioni come P.P., C.L., Pan., M.D.P., F.C., C.M. (come si usava una volta) non capirebbe assolutamente niente e bollerebbe la Sceneggiatura come “pessima e illeggibile”. Allora è meglio usare la forma letteraria, che non presenta nessun problema di comprensione neanche per il Produttore più ignorante.

La domanda più ovvia da parte di una persona che parla con qualcuno che ha visto un film che lui non conosce è “Che tipo di film è?”. Questo vuol dire riconoscere a quale genere il film appartiene. Spesso un Produttore pone la stessa domanda ai propri collaboratori, prima di decidere se leggere o meno una sceneggiatura. Oggi come oggi nessuno accetterebbe di produrre un film di pirati, mentre sono in voga quelli catastrofici. Ma come si riconosce un genere cinematografico? Non esistono delle regole precise, soprattutto perché molto spesso un film è una commistione di generi diversi: una commedia d’azione (Pulp Fiction), una storia d’amore a sfondo catastrofico (Titanic), un horror fantascientifico (Alien). Il modo migliore per riconoscere, con qualche eccezione, un genere è quello di provare ad analizzare le sensazioni che il film voleva suscitare nello Spettatore:

• COMMEDIA: Vuol far ridere lo Spettatore, gli vuol far passare due ore di divertimento puro. Il soggetto della presa in giro può variare notevolmente (dalla politica ai teen-ager, dai ricchi e famosi agli impiegati d’ufficio, compresi altri film o libri), così come può variare il grado di cattiveria delle battute ed il modo di farle. Quando la storia non è altro che una sequenza di gag più o meno divertenti, spesso slegate l’una dalle altre, si tratta di un film COMICO.
• DRAMMATICO: Vuole convincere lo Spettatore a riflettere su un aspetto della società moderna, o su un avvenimento particolare, spesso alla ricerca delle lacrime. Può essere ambientato nel passato (DRAMMA STORICO) o raccontare di un problema generale della vita odierna (DRAMMA SOCIALE).
• ROMANTICO: È un film che vuole far sospirare lo Spettatore facendogli pensare di poter essere al posto degli attori, di poter vivere quella stessa avventura nella vita reale. Tende ad avere più presa nei riguardi del pubblico femminile ed è spesso coniugato con altri generi.
• HORROR: Vuole spaventare lo Spettatore, farlo saltare sulla sedia e fargli trattenere il respiro. Può partire indifferentemente da premesse fantascientifiche (un alieno), sovrannaturali (fantasmi) o più o meno terrene (psicopatici assassini, morti viventi…).
• FANTASCIENZA: Molto spesso ambientata nel futuro. Si basa sull’infrazione delle leggi scientifiche da parte di premesse fantastiche (i viaggi nel tempo e nello spazio). “Cosa c’è nello spazio profondo?”.
• WESTERN: In questo caso il riconoscimento del genere deriva da criteri storico-geografici: le storie ambientate durante la conquista dell’ovest (il Far West) di quelli che oggi sono gli Stati Uniti, a partite dagli anni quaranta del secolo scorso fino agli inizi del 1900.
• GUERRA: Altra eccezione alla regola delle emozioni: ci si spara addosso dall’inizio alla fine, non fa nulla se la guerra in cui il film è ambientato è reale o inventata.
• GIALLO: Se l’horror vuole spaventare lo Spettatore facendogli chiedere “Cosa sta succedendo?”, il giallo gli vuole far chiedere “Cosa sta per succedere?” e, soprattutto, “Chi è stato?”. Ci sono sostanzialmente tre modi di raccontare un giallo: dal punto di vista del detective, da quello del criminale o da quello della vittima. In quest’ultimo caso si tratta di un THRILLER.
• AZIONE/AVVENTURA: “Guarda com’è bravo Van Damme”… “Guarda com’è forte Stallone”… “Guarda come salta in aria quel palazzo”… La differenza è nell’ambientazione, nei luoghi e nello scopo dei personaggi. Se sono alla ricerca di qualcosa o qualcuno, soprattutto se in paesaggi esotici, è un’AVVENTURA. Se combattono qualche super-cattivo per salvare la pelle o il mondo è un film d’AZIONE.
• BIOGRAFICO: Racconta un momento della vita di una persona realmente esistita, sempre e comunque aggiungendo la finzione filmica a ciò che era la realtà. Se racconta di un avvenimento storico invece che di uno personale si tratta di un film STORICO.
• MUSICALE: È ambientato in una realtà in cui i personaggi cantano e ballano al suono di una musica che solamente loro (ed il pubblico) possono sentire. In genere il film cantato è riconosciuto come MUSICALE, mentre quello cantato e ballato è definito MUSICAL.
• ANIMAZIONE: Non necessariamente un cartone animato (Toy Story), è ambientato in un universo in cui tutto può diventare qualunque altra cosa, in particolare gli animali parlano come (e spesso con) gli esseri umani.
• DOCUMENTARIO: Teoricamente si tratta di una semplice riproposizione di quella che è stata la realtà in un particolare momento e luogo, senza alcun intervento da parte di coloro che hanno girato il film.

Ogni genere è regolato da una serie di norme non scritte, di convenzioni generali, che sono a conoscenza, anche se magari solo a livello inconscio, di ogni Spettatore, a maggior ragione se lo Spettatore è un affezionato di un genere particolare. Quelle che Kevin Williamson aveva enunciato in Scream, e successivamente in Scream 2, sono solo alcune delle regole comuni a tutti i film horror moderni, anche se nessuno le aveva mai fatte notare prima:

• Solo i personaggi casti e puri sopravvivono: coloro che hanno avuto, nel corso del film, esperienze sessuali o hanno bevuto alcolici o utilizzato droghe di qualunque genere sono destinati alla morte.
• Un personaggio che lascia una stanza dicendo “Torno subito” non tornerà mai indietro. Mai.
• In un seguito ci sono sempre più morti che nell’originale.
• Le scene di morte di un seguito sono più elaborate che nell’originale. Più sangue, più urla.

Dato che gli Spettatori si aspettano il rispetto di queste norme, lo Sceneggiatore deve conoscere perfettamente i confini del genere che sta frequentando per poter fare un lavoro veramente valido, in modo da poter comunque sorprendere lo Spettatore. Andare contro queste regole, nella maggior parte dei casi, porterà lo Spettatore a rifiutare la soluzione proposta dal film: nessuno apprezzerebbe mai un film giallo in cui il colpevole è il poliziotto.

Quando si è un giovane Sceneggiatore sconosciuto, agli esordi, sarebbe meglio scrivere sempre qualcosa di particolare, qualcosa che resti bene impresso nella mente del lettore, e non sempre la cosa migliore da fare è mandare i propri lavori ad una casa di produzione. Spesso infatti, soprattutto negli Stati Uniti, sono gli Attori che presentano una Sceneggiatura interessante al Produttore, dicendo di voler realizzare il Film. Per poter sperare che un Attore di nome sia interessato alla Sceneggiatura ci deve ovviamente essere un personaggio adatto a lui. Meglio: dev’essere solo per lui. Deve sentire che lo Sceneggiatore stava pensando a lui mentre scriveva. Deve credere che il Film possa avere un senso solo con la sua presenza. Non fa niente se non è vero, deve avere quest’impressione.

Spesso, comunque, la Sceneggiatura viene scritta da più persone contemporaneamente, il che non è detto che aiuti. È vero che più teste pensano, più idee vengono fuori (o almeno dovrebbero), ma è anche più difficile che ci sia un unico modo di vedere le diverse scene. In genere più persone lavorano alla Sceneggiatura più il risultato finale risulta eterogeneo e discontinuo, soprattutto se queste persone non si conoscono bene e non sono abituate a lavorare insieme. Una cosa che succede soprattutto nel cinema americano, è che la Sceneggiatura venga tolta di mano allo Scrittore quando questi ne ha terminato la prima versione, in modo che qualcun altro possa correggerne gli errori, o le parti che non vanno bene alla produzione. Anche qui non sempre il procedimento aiuta il Film: 13 persone collaborarono, in momenti diversi, alla sceneggiatura di Via col vento; e, per fare un esempio più recente, la Sceneggiatura di L’eliminatore, con Arnold Schwarzenegger, ha avuto 7 riscritture dopo quella originale. Il primo è uno dei film di maggior successo della storia del cinema, l’altro è forse uno dei più brutti di tutti i tempi.

Non è comunque necessario, per fare un buon Film, che alla Sceneggiatura lavori solo una persona, e che questa persona sia colui che poi dirigerà il Film. In effetti è difficile dire esattamente quale sia l’importanza della Sceneggiatura per la riuscita finale del Film. Diversi studiosi e addetti ai lavori credono che i Film si costruiscano a tavolino, che la Sceneggiatura sia già di per se stessa una creazione artistica, un’opera cinematografica già compiuta definitivamente. Quindi secondo loro il Regista non dovrebbe far altro che riportare su pellicola quello che sta scritto sulle pagine. Però, come dice John Carpenter, uno dei migliori regista di horror d’America ma anche regista del delizioso Starman, «che lo Sceneggiatore provi ad infilare i suoi fogli in un proiettore, vediamo che Film viene fuori». Un’altra corrente di pensiero, infatti, ritiene che la Sceneggiatura sia semplicemente una traccia che può, e deve, essere modificata ed arricchita durante le riprese ed il montaggio. Anche qui dipende dal rapporto più o meno diretto che il Regista ha con la Sceneggiatura. È infatti probabile che se lui partecipi alla scrittura si faccia già un’idea ben definita di come girare il Film, come faceva, ad esempio Alfred Hitchcock. Se invece la Sceneggiatura gli viene sottoposta già completata cercherà di adattarla alle sue idee, di cambiarla, di renderla più personale. Certo però che non è possibile che il solo fatto di essere sul set, a contatto con gli Attori e con la macchina da presa, faccia venire in mente al Regista come girare una scena, dopo che ha passato notti insonni cercando di trovare l’intuizione giusta.

Percorsi Tematici

• Viaggio dentro un film – Parte 2
• Viaggio dentro un film – Parte 3
• Viaggio dentro un film – Parte 4
• Viaggio dentro un film – Parte 5